Abigail Lazkoz (Bilbao,1972). Artista visual, profesora e investigadora

Desde 2020 es doctora en Bellas Artes por la Universidad de País Vasco. En 2003 se traslada a NY donde vive y desarrolla su labor artística hasta 2013. Desde 2016 es profesora del Departamento de Pintura de la Universidad del País Vasco. Dedicada a investigar en torno a las posibilidades del dibujo como práctica expandida, desde el año 2000 ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, en galerías, museos y centros de arte de carácter nacional e internacional entre los que cabe destacar: Círculo de Bellas Artes, Madrid; La Casa Encendida, Madrid; The Drawing Center, Nueva York; Momenta art, Brooklyn; PS1-MoMA, Nueva York; MUSAC, León; ARTIUM, Vitoria Gasteiz; Queens Museum of Art, Nueva York; Fundación Marcelino Botín, Santander; Centre D’Art La Panera, Lleida; Guggenheim Bilbao Museoa, Bilbao; Sala Rekalde, Bilbao; Artium, Vitoria-Gasteiz; Fundación Joan Miró, Barcelona; Museo Nacional Honestino Guimarães, Brasilia; Mucsarnok, Budapest; MAMA, Argel; Sala Parpalló, Valencia; Las Cigarreras, Alicante; MARCO, Vigo; MAS, Santander; DA2, Domus Artium, Salamanca; MACUF, a Coruña; CDAN, Huesca; CAB de Burgos, Burgos; Museo San Telmo, Donostia-San Sebastián; Museo ABC de dibujo, Madrid; Tabacalera, Madrid.

http://abigaillazkoz.blogspot.com/

Moisés Mahiques

Quatretonda, 1976 Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, Mahiques ha elegido el dibujo como forma de expresión para desarrollar una obra centrada en la representación del cuerpo tanto individual como en grupos humanos. A partir de composiciones clásicas, el artista configura ambientes y escenarios donde el individuo se enfrenta a su propio yo.

El dibujo en su más pura esencia, el blanco y negro, la línea, el fondo y la forma son las herramientas de las que parte para configurar un estilo reconocible y muy personal donde nos presenta aspectos individuales y sociales como el poder, la sumisión, la identidad, la pertenencia, la soledad, el orden, el caos, etc. Su obra está representada en las colecciones del Centro Atlántico de Arte Contemporáneo (CAM), Canarias, España; Colección Fundación Montemadrid, España; Colección ABC y Colección DKV, entre otras. http://www.moisesmahiques.com/

Ana Barriga (Jerez, 1984)

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, actualmente vive y trabaja en Madrid. Ana Barriga cuenta entre sus últimos logros curriculares con el Premio Internacional de Pintura de la Fundación Focus, el de Artes Plásticas de la Universidad de Sevilla, CICUS y Generaciones 2019, ambos conseguidos en 2017; ha sido seleccionada en distintas Becas de Residencias para creadores y cuenta con piezas en colecciones como la del Centro de Arte Contemporáneo (CAC) de Málaga o la Colección DKV. En su trabajo trata de encontrar el equilibro entre la razón y la emoción, dos territorios aparentemente contradictorios que, al friccionar, generan un tipo de energía que le interesa. Procura moverse en el ámbito de lo lúdico, un lugar compartido por artistas y niños, donde se abandonan los prejuicios y aflora la parte más inesperada de nosotros. El humor, el juego o la ironía son modos de posicionarnos ante la realidad de una manera distinta e inesperada, de romper patrones comunes. De ahí surgen situaciones imprevisibles que desprenden frescura y nos resultan atractivas porque no se ajustan a modelos prefijados.

El juego es muy importante tanto en su obra como en su modo de trabajar, y esa idea queda patente en tres ámbitos principalmente. En los elementos representados: la mayor parte son piezas infantiles, objetos decorativos o de uso cotidiano, así como en la forma de tratar y configurar esos elementos: los pinta, rompe, mutila, ensambla o compone de tal o cual forma, como si estuviese jugando con ellos, y también en la manera en que afronta una pieza: prueba, borra, repinta, modifica e incluso interviene con spray como si se tratara de un acto vandálico hacia su propia pintura. https://www.instagram.com/anabarrigaoliva/

Anna Malagrida (Barcelona, 1970). Fotógrafa y videasta en París

Sus imágenes se sitúan en la ciudad contemporánea. Estructurada en la oposición entre el interior y el exterior, su mirada se posa sobre los que los viven en ella y sobre las huellas de los que la atraviesan

Premio al proyecto de los Encuentros Internacionales de Fotografía de Arles en 2005, en 2016 obtiene la Carte Blache para la realización del proyecto Cristal House expuesto en el Museo de Arte Moderno de París (Centro Pompidou). Ha realizado exposiciones individuales en instituciones como el IVAM, Valencia en 2018, Frac PACA de Marsella en 2015, MACUF A Coruña en 2016, Fundación Mapfre en 2010, Centre Photographique d’Ile de France y la Palazzina Modena en 2011.

Ha participado en diversos proyectos colectivos en el Kulturhuset (Estocolmo), Fundación Cisneros (Miami), Fotomuseum d’Anvers, Kunstfilmbienale Colonia entre otros. 

Su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas como el Centro Pompidou (París), Wolfsburg KunstMuseum (Alemania), MAGASIN 3, Stockholm Kunsthall (Suecia), MACBA de Barcelona, Fundación MAPFRE (Madrid), MUSAC (León), Fonds National des Arts Plastiques (París), Frac PACA y Occitana (Francia), Museo de arte Moderno de Tarragona y Colección DKV entre otras.

Este proyecto es una colaboración entre Mathieu Pernot y Anna Malagrida. Las fotografías fueron realizadas en el barrio barcelonés de Poblenou, lugar que sufrió una profunda transformación urbanística en la última década del s XX y primera del XIX. Afectados por los planes de transformación, algunos vecinos consiguieron retrasar los plazos de demolición convirtiendo sus inmuebles en símbolo de la resistencia a la especulación urbanística.

http://www.annamalagrida.com

Anna Talens (Carcaixent, 1978)

Vive y trabaja entre Berlín y Weimar. Es doctora en Bellas Artes por la UPV donde obtiene el premio de tesis doctoral con: “La transformación de la experiencia de la naturaleza en arte: el nomadismo y lo efímero”. Ha sido estudiante invitada en la Bauhaus Universität (Weimar), Universität der Künste (Berlín), The Australian National University (Canberra) y personal investigador en The Central Saint Martins (Londres).

Desde el 2015 se ha especializado en proyectos site specific en diálogo con espacios arquitectónicos históricos.

Ha expuesto en la Gemäldegalerie Berlin, Matadero Madrid, Tête, Wallstrasse, EACC Castellón, Museo Villa Croce Génova, Centre del Carme, Fundación Chirivella Soriano, Fundació Vila Casas, Centro Alcobendas y en la Academia de España en Roma.

Su obra forma parte de las colecciones de la Generalitat Valenciana, IVAM, UPV, Fundación Hortensia Herrero, Olor Visual, DKV y Bauhaus-Universität Weimar.

https://www.annatalens.com

Instagram: @anna_talens

Belén Rodriguez

Magíster Art por la Academia de Bellas Artes de Viena y la UCM, Belén Rodriguez ha participado en Programas de Artista en Residencia como Flora ars + natura, en Bogotá, ArtistaXArtista en La Habana, Hooper Projects en Los Ángeles, Academia de España en Roma y BMUKK en Tokio.

Ha expuesto individualmente en Josh Lilley, Londres, en Patio Herreriano, Valladolid, Das weisse haus, Viena, Galería Parra y Romero, Madrid 2010 entre otros. Su obra ha formado parte de exposiciones en instituciones como CA2M, Tabacalera, Matadero y La Casa Encendida en Madrid, Can Felipa en Barcelona.

Ha recibido la Beca Staatstipendium y STARTstipendium, ambas del Ministerio de Cultura de Austria, el Primer Premio Ciutat de Palma Antoni Gelabert, el Premio Generaciones de Caja Madrid, en 2011 y su Mención de Honor en 2009. Su trabajo se podrá ver en la próxima Biennale Internationale d'Art Contemporain d'Anglet, Francia, La Littorale.

www.belen.news

Instagram: @belen_who

Cachetejack

Cachetejack somos Raquel Fanjul (Alcañiz, Teruel 1988) y Nuria Bellver (Torrent, Valencia 1988) un dúo de ilustradoras. Estudiamos Bellas Artes en la Politécnica de Valencia y desde 2011 trabajamos juntas en proyectos personales y comerciales, ilustración aplicada a todos los medios: editorial, moda, libros infantiles, publicidad, pintura mural etc para clientes nacionales e internacionales.

Nuestro estilo es un estallido de color, energía, humor e ironía. En nuestros proyectos personales tratamos conceptos sociales, políticos, comprometidos con nosotras y con el mundo que nos rodea de un modo cercano al espectador. Tenemos una voz y nos parece muy importante usarla con nuestras imágenes.

Apple, Google, National Geographic,The New York Times...son algunos de nuestros clientes respecto a los proyectos comerciales y estamos muy contentas por haber realizado este 2021 la sección de ilustración en la renovación global de la marca Burger King.

En este enlace podéis ver nuestros últimos proyectos: www.cachetejack.com o seguidnos en nuestro instagram https://www.instagram.com/cachetejack/  para conocer más de nuestro trabajo.

En este enlace podéis encontrar nuestro libro "Cachetejack, un monstruo de dos cabezas" un recopilatorio de imágenes de los últimos años: https://www.paripebooks.com/tienda/un-monstruo-de-dos-cabezas/

Chechu Álava (Piedras Blancas, Asturias, 1973)

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. En 1995 realizó estudios en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam. Comienza a exponer en 1994, interviniendo desde entonces en un centenar de exposiciones colectivas y ferias nacionales e internacionales de arte.

En 2014 su trabajo fue seleccionado por un jurado internacional para formar parte del catálogo « 100 painters of tomorrow », publicado por la editorial Thames and Hudson.

En el año 2020 el Museo Thyssen-Bornemisza presenta su exposición individual “Rebeldes”, dentro del programa “Kora”.

Su obra forma parte, entre otros, del Museo de Bellas Artes de Asturias, del Ministerio de Cultura, La Junta General del Principado de Asturias y de colecciones privadas en Colombia, México, Alemania, Portugal, Estados Unidos, Francia, Sudáfrica, Corea del Sur y España.

Desde 2001 reside en París.

www.chechualava.com 

Instagram: @chechualava

Cristina Ferrández (1974, Alicante)

Artista visual e investigadora. Trabaja en el área de la creación artística como proceso crítico y reflexivo, desarrollando proyectos que ponen en valor el territorio natural como espacio de evolución y utopías posibles, explorando cuestiones de ecología, sociología, filosofía, geografía humana y los procesos entrópicos en territorios degradados.

Ha obtenido diversas becas de creación e investigación de instituciones como  Ayudas Vegap a la Producción 2020, la  Beca de Investigación del Institut d'Études Avancées d'Aix-Marseille Université, Francia, en el programa Arte, Ciencia y Sociedad 2019.

Es invitada en el programa de Europa Creativa THE SPUR / ETACEC 16-18 PROJECT, con residencia en el Centre d´Art Le LAIT de Albi, Francia; también como artista europea en el programa PUBLIC ART CELEBRATING  WOMEN IN CULTURE de Jerusalem Este, Capital Árabe de la Cultura 2009. En Asturias recibe la Beca del Museo Antón de Candás 2010, para un proyecto en Portland Sculpture and Quarry Trust, Inglaterra; La beca Cajastur, la beca de producción AlNorte 2007; la beca de creación Factoría Cultural de Avilés 2017.

www.cristinaferrandez.art            

Facebook Cristina Ferrández 

Instagram: @cristina_ferrandez

https://vimeo.com/user9830945/videos

Damián Ucieda Cortés (1980, A Coruña)

En 2004 completó sus estudios en Ilustración en la Escola Massana de Barcelona. Se graduó con un BA Hons en Fotografía por Edinburgh College of Art en 2007.

Su trabajo ha sido expuesto internacionalmente en instituciones como Moscow Museum of Modern Art, National Portrait Gallery de Londres, Royal Scottish Academy, CCEMX  de Mexico, Museo Patio Herreriano de Valladolid, Cidade da Cultura de Santiago de Compostela entre otros.

Ha recibido la Beca Injuve y ha sido seleccionado en premios organizados por la Fundación Aena, Auditorio de Galicia, MAC, Nikon y Purificación García.

Sus obras forman parte de las colecciones públicas del Ministerio de Cultura, Ayuntamiento de A Coruña, la Colección Arte Contemporáneo, CGAC, Colección DKV, Fundación Aena, Fundación Luis Seoane y Fundación María José Jove.

http://www.damianucieda.com/

https://www.instagram.com/damianuciedacortes/

Daniel Canogar (Madrid, 1964)

Daniel Canogar comenzó formándose en el mundo de la fotografía durante el master de la New York University y el International Center of Photography (1990), pero pronto se interesó por las posibilidades de la imagen proyectada y la instalación artística.

Ha creado numerosas piezas de arte público con pantallas escultóricas de LED incluyendo Surge, en el lobby del Moss Arts Center, Virginia Tech (Blacksburg, VA, 2019); Aqueous, en la Organización Sobrato (Mountain View, CA, 2019); Pulse, en la Universidad de Texas A&M (College Station, TX, 2018) o Tendril, en el Aeropuerto Internacional de Tampa (Tampa, FL, 2017). También ha creado obras públicas de carácter monumental como Amalgama El Prado (Madrid, 2019); Constelaciones, el mosaico creado para dos puentes peatonales que cruzan el río Manzanares (Madrid, 2010) y Storming Times Square, una video intervención en 47 de las pantallas de Times Square (Nueva York, NY 2014).

Entre sus proyectos expositivos recientes destacan las exposiciones individuales “Latencies” en Anita Beckers Gallery (Frankfurt, 2021); “Billow” en bitforms gallery (Nueva York, NY, 2020); “Echo” en el museo de la universidad Paul and Lulu Hilliard University (Lafayette, LA 2019); “Melting the Solids” en la galería Wilde, (Ginebra, 2018) y “Fluctuaciones” en Sala Alcalá 31, (Madrid, 2017).

Sus trabajos se han expuesto en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid; el Palacio de Velázquez, Madrid; Galería Max Estrella, Madrid; bitforms gallery, Nueva York; Wilde Gallery, Ginebra; Galerie Anita Beckers, Frankfurt; Eduardo Secci Contemporary, Florencia; Centro de Arte Santa Mónica, Barcelona; Museo Alejandro Otero, Caracas; Wexner Center for the Arts, Ohio; Offenes Kulturhaus Center for Contemporary Art, Linz; Museo Kunstsammlung Nordrhein Westfallen, Dusseldorf; Museo Hamburger Banhof, Berlín; Borusan Contemporary Museum de Estambul; Museo de Historia Natural, Nueva York; Museo Andy Warhol, Pittsburgh y Mattress Factory Museum, Pittsburgh.

David Ferrando Giraut (Negreira, A Coruña, 1978) 

Vive y trabaja en Londres. Es Graduado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y MFA en  Bellas Artes por el Goldsmiths College. En 2010 fue uno de los ocho vídeo-artistas seleccionados para el LUX Associate Artists Programme de Londres. Su  trabajo,  centrado  principalmente  en  vídeo,  sonido  e  instalación,  se encuentra  en  la  intersección  de  varios  hilos  conceptuales,  como  son  la hibridación  de  elementos    naturales,    tecnología  y  organización sociopolítica y cómo  ésta  se  ha  gestionado  a  lo  largo  de  la  historia;  las tensiones  entre  representación  y  realidad  representada;  la  experiencia estética como herramienta cognitiva; un cuestionamiento del concepto moderno  de  temporalidad,  y  una  búsqueda  de  continuidad,  mediante nociones como transversalidad, reminiscencia proustiana, la ruina, y el paralelismo entre ésta y la grabación audiovisual.  

En sus obras recientes hay un especial interés por la persistencia de estructuras sociales piramidales y el actual desajuste entre desarrollo tecnológico e involución política, que parece dirigirnos a una especie de   neo-medievalismo post-cibernético.

Entre sus exposiciones recientes destacan: Luminous Flux, Arti et Amicitiae, Amsterdam (2014); ARCOmadrid 2014, Galería Bacelos; IndieLisboa14, Festival Internacional de Cine Independente; Veraneantes, MARCO, Vigo (2013-14); It ́s a Place of Force” en REMAP4, Atenas   (2013) y MACO 2013, México, Galería Bacelos; ARCOmadrid 2013, Galería Bacelos; Cristalino, Galería Bacelos, Madrid y Vigo (2012); 41 International Film Festival Rotterdam (2012); Swollen Jungle, Union  Gallery, Londres (2012); The  Fanstasist, MACUF, A Coruña (2011); Topophobia, Danielle Arnaud Gallery,  Londres, The Bluecoat, Liverpool y Spacex, Exeter (2011-2012); Against Gravity, ICA, Londres   (2010); Journeys  End   in   Lovers   Meetings,   Galería   Visor (2010),  Valencia  y  10/12,  Bruselas  (2011); Time  Capsules, The Gallery Soho, Londres (2011); Everything is Out There, parte de Inéditos 2010, La  Casa  Encendida,  Madrid; Between  a  Hole  and  a  Home,  James Taylor Gallery, Londres (2010); Strange Things Are Hapening, ASPEX, Portsmouth   (2009);   o Situación,   CGAC,   Santiago   de   Compostela (2008).

Prótesis discursiva (Una conversación alquímica) cuestiona la difícil relación entre investigación científica y procesos de toma de decisiones políticas, mediante entrevistas a un grupo heterogéneo de personas (activistas, abogados, economistas, geólogos, ecólogos, filósofos). La obra plantea la relación entre los elementos naturales y su domesticación tecnológica como uno de los rasgos definitorios de la cultura humana a lo largo del paso del tiempo, cuestionando la percepción de naturaleza y cultura como realidades estancas.

Eduardo Nave (Valencia, 1976)

Es Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño en Fotografía por la EASD de Valencia. Formó parte del colectivo NOPHOTO durante 14 años. Compagina sus proyectos personales dentro del mundo del arte con los editoriales. Ha recibido entre otras, las becas; Fundación Botín, Casa de Velázquez, Fotopres, Colección CAM y VEGAP.

Sus libros más destacados son; A la hora en el lugar (2013, Phree), LIKE (2017, Ediciones Anómalas), premio al mejor libro del año en PhotoEspaña 2018 y Normandie (2021, La Fábrica).

Su obra pertenece a colecciones como; Ministerio de Cultura, Fundación Ordóñez Falcó, Familia Cartier-Bresson, Patrimonio Nacional de España, Francia, Italia y Portugal, Centro de Arte Dos de Mayo, Colección Circa XX y DKV entre otras.

Sus proyectos personales tratan sobre lugares donde han ocurrido hechos relevantes y la posibilidad de que los espacios guarden recuerdos de lo que allí sucedió.

www.eduardonave.com

https://www.facebook.com/eduardonave

https://www.instagram.com/eduardonave/

https://twitter.com/eduardo_nave

Elvira Amor (Madrid, 1982)

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha. Ha vivido y estudiado en Buenos Aires, Puebla (México), Bruselas y Yogyakarta (Indonesia), realizando muestras en cada una de estas ciudades, y desarrollando distintos proyectos.

Las últimas exposiciones individuales que ha realizado son: Formas de oír (Alimentación 30, Madrid, 2020); Salmón ladrillo coral (García Galería, Madrid, 2018), Anaranjado Delgado (Castellana22, Madrid, 2017). Entre las exposiciones colectivas que ha participado están: S/T: Álvarez-Laviada, Amor, Barkate, Uriel (Galería Moisés Pérez de Albéniz, Madrid, 2021); El abrazo, artistas en diálogo en la Colección Yera (Convento Santa Clara, Sevilla, 2020); Modern Love Vol.1 (Quinto Piso, Ciudad de México 2017), Wet paint (Área 72, Valencia, 2016), Tachá espejo pone dibujo (Fundación Lebensohn, Buenos Aires, 2013), o Alga todo y espumas (CCEBA-AECID, Buenos Aires 2013).

Ha recibido la Ayuda a la Producción Comunidad de Madrid 2020, Premio Propuestas VEGAP 2017 o el Premio a la Producción Artística 2015 Fundación Banco Santander-Open Studio, entre otros premios.

www.elviraamor.com

Instagram: @elvira_amorm

Eulalia Valldosera (Vilafranca del Penedès, 1963)

Pionera en un modo de hacer multidisciplinar, su obra se articula en torno al fenómeno lumínico. En su instalaciones, performances y fotos crea espacios psicológicos mediante objetos cotidianos para confrontarnos con nuestras sombras psíquicas. Aún enfocada en este fenómeno perceptivo, recientemente vive un cambio de paradigma al decidir trabajar con la luz solar y expandir sus actividades al estudio de los cuerpos sutiles que conforman a los seres y a las cosas.

Mediante el dibujo y la palabra propone viajes del alma en forma de video-mensajes, dando voz a las entidades naturales y practicando la arqueología psíquica para leer la memoria de espacios, seres y objetos históricos. Realiza performances en estados alterados de conciencia en museos (Los otros invisibles, Thyssen y Museo Picasso, 2019), en míticas ruinas (Plastic Mantra, 2016), o templos (Nave Nodriza, Bologna 2020), trabajos en los que su cuerpo se convierte en antena y anclaje de un nuevo lenguaje para mediar entre los diversos estratos de nuestra realidad. En sus multitudinarias sesiones de Dibujo y Energía monitoriza y canaliza los dibujos de los participantes categorizando su actual labor artística como una forma de mística activista.

Presente en multitud de bienales internacionales desde la década de los 90, representó a nuestro país aún siendo aquí una desconocida. Su retrospectiva en la Fundación Tàpies de Barcelona en 2001 fue la exposición más visitada de ese año y le valió el premio Nacional de Artes plásticas catalán. Lo siguió el Museo Reina Sofía (2009) en el que presentó un innovador proyecto de sonido, sus botellas interactivas, envases de productos de limpieza intervenidos digitalmente que emitían voces y ofrecían borrar aquellos eventos que uno no desea recordar no sin antes pronunciarlos y grabarlos en su interior, iniciando una actitud participativa o co-creativa de concebir la práctica artística.

www.eulaliavalldosera.com

Federico Miró

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Málaga (2009-2013). Completa su formación realizando el Máster de Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid (2013-2014).

Hasta el momento, ha realizado cuatro exposiciones individuales, “La verdad es otra” en F2 Galería (2018), Federico Miró en Gallery Red, Mallorca (2018), "El ojo sorprendido", dentro del marco de “entreacto”en la galería Marta Cervera de Madrid (2014) y "Hasta donde la mirada alcance" en la sala de exposiciones de Bellas Artes de Málaga (2013).

Entre las exposiciones colectivas que ha participado cabe destacar “Neighbours” en el CAC Málaga (2017), “Circuitos” de la Comunidad de Madrid en la Sala de Arte Joven en Madrid y en Laboral en Gijón (2017),"BIUNIC" en la Fundación Valentín de Madariaga, Sevilla) o la Muestra Internacional de Arte Universitario IKAS ART en Bilbao (2011). Por otra parte ha participado en ferias de arte como Just Mad (2017), Estampa (2017), ARCO Madrid y ARCO Lisboa (2018,2019 y 2020 respectivamente).

Asimismo, ha obtenido premios y becas como el premio de pintura Manuel Ángeles Ortiz de la Universidad de Jaén (2020), BMW de pintura a la innovación (2017), el premio de la Academia de San Quirce en Segovia (2013), el Premio de pintura de la UMA (2013), la residencia artística de la Casa de Velázquez en Madrid (2014), o la beca Fundación VianaBilbao Arte (2014) entre otros.

 

www.federicomiro.com

Instagram: @federicomiro

Twitter: @arte_miro 

Ignacio Uriarte (Krefeld, 1972)

El trabajo de Ignacio Uriarte aborda las rutinas del trabajo diario de oficina centrándose en sus principales ingredientes: el tiempo y la repetición. Utilizando las herramientas y procedimientos de un empleado administrativo, convierte pequeños gestos productivos e improductivos como garabatear o doblar una hoja de papel en dibujos sistemáticos, instalaciones, animaciones, pinturas, piezas sonoras, libros y series fotográficas.

Su obra ha sido objeto de exposiciones individuales en museos como MARCO, Vigo, Mies van der Rohe Pavillion, Barcelona, Centre d’Art La Panera, Lérida, Sala Rekalde, Bilbao, Huarte Centro de arte, Pamplona, MUSAC, León, La Casa Encendida, Madrid, in Spain; Kunstmuseum Reutlingen, Leopold Hoesch Museum, Düren, Kunstmuseum Bergisch Gladbach, Berlinische Galerie, Berlin, Deutsches Architekturzentrum, Berlin, Kunstverein Arnsberg in Germany; Kunstraum Lakeside, Klagenfurt in Austria; UMOCA, Salt Lake City, The Drawing Center, New York in the USA; Casa del Lago, Mexico City, Ladera Oeste, Guadalajara in Mexico; así como el the Perth Institute of Contemporary Arts in Australia.

Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Centro Botín, Santander, Fundación La Caixa, Barcelona, MACBA, Barcelona, Centro Párraga, Murcia, CAB Burgos, ARTIUM, Vitoria, en España; Kaiser Wilhelm Museum, Krefeld, Kunstmuseum Bonn, Lenbachhaus, Munich, Museum Ludwig, Cologne, Kupferstichkabinett, Berlin, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, Skulpturenmuseum Glaskasten, Marl in Germany; en el Kunsthalle Wien, Albertina Museum, Vienna en Austria; S.M.A.K., Gent en Belgium; Spike Island, Bristol, Great Britain; en la Fondazione Pistoletto, Biella, Triennale Design Museum, Milan, Italia; FRAC Lorraine, Metz, France; Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, Ludlow 38, New York, Pratt Manhattan Gallery, New York, University Museum, Alabany, USA; MNBA Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina; Maison Hermès, Tokyo, Japan.

 

www.ignaciouriarte.com 

https://web.facebook.com/ignaciouriarte

https://www.instagram.com/ignaciouriarte1000/

Ixone Sádaba, (Bilbao 1977)

Es una artista que vive y trabaja en Londres. Obtuvo su MA de la Universidad del País Vasco y un Diploma de Postgrado del International Center of Photography de Nueva York. Galardonada con el Premio Generación 2011 y finalista del Premio Sovereign Art Foundation en 2012 entre otros. Ixone ha expuesto en museos de arte internacionales, como el Museo Guggenheim Bilbao, el Museo Reina Sofía, el Museo de Arte Contemporáneo MoCCa de Toronto y el Museum of Contemporary Art de Nueva Orleans.

Sádaba persigue sus intereses a través de la fotografía, la instalación y el arte escénico, explorando constantemente los límites de la naturaleza individual y violenta de la humanidad.

Habitualmente retratando lo que ella describe como “Escenarios políticos”, la obra de Ixone Sádaba adopta una doble postura ante la práctica fotográfica. Sádaba presenta un análisis de la tipología y del desarrollo formal y físico de la representación como construcción de materias observadas. Además, la fotografía actúa como un estudio de campo a través del cual Sádaba cuestiona la dimensión de la mirada, más allá del marco normativo que define o pretende definir una imagen. Su investigación se centra en los límites del individuo, así como en las tensiones inmanentes a las ideas de identidad y agencia.

“Following the history of representation” es un proyecto fotográfico originalmente conformado por una serie de quince retratos de gran formato. El Proyecto forma parte del trabajo desarrollado por la artista en Halabja, la ciudad del Kurdistán iraquí bombardeada por Sadam Hussein en 1988, en la que Ixone trabajó y enseño entre 2008 y 2010. Las obras desafían la presencia de la artista y de su cámara en el contexto retratado. Estableciendo un punto de vista colonial, el trabajo cuestiona nuestra mirada y los cánones de feminidad clásica impuestos en las fotografías coloniales.

http://www.ixonesadaba.com/

Jacobo Castellano

Nace en Jaén en 1976. Licenciado en la facultad de bellas artes de Granada, completa su formación en la Academia de bellas artes de Florencia y más tarde en el International Studio and Curatorial Program (ISCP) de Nueva York.

Su trabajo ha podido verse en centros, museos y galerías tanto nacionales e internacionales. Destacamos la exposición riflepistolacañon realizada en el año 2019 en el Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria, comisariada por Javier Hontoria donde se hace un recorrido por los últimos veinte años de su labor profesional. Anteriormente su trabajo pudo ser visto en la Kunsthalle de Sao Paulo en el año 2015, muestra titulada Aprendiendo del Albaicín. En el 2020 expone Combing Grounds en Mai 36 galerie de Zurich, galería que junto con Maisterravalbuena representan el trabajo de Jacobo.

Su trabajo se encuentra entre otras en la Fundación Monteenmedio, Fundación Botín, ARTIUM, CAAC o Mobiliar Genossenschaft en Suiza.

Juan Baraja (Toledo, 1984)

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha desarrollado toda su carrera artística en el ámbito de la fotografía. Su trabajo se ha exhibido en galerías privadas de todo el territorio nacional, y también en instituciones. Entre sus exposiciones individuales destacan “Olvidados del tiempo” (Fundación Cerezales Antonino y Cinia, Cerezales del Condado), “Perfil de escalera” (La Cometa, Madrid),  “Utopie Abitative” (Museo público Palazzo Lanfranchi, Matera), o  “Águas Livres” (Espacio Líquido, Gijón).

Ha participado en distintos certámenes y bienales, resultando premiado en algunos de ellos, como el XIV Certamen Fundación Unicaja de Artes Plásticas (2021), Premio Colección Campocerrado, (Estampa 2021),  XXV Certamen de Artes Plásticas de la UNED, la XVI edición del Premio Arte Joven de la UCM.  En 2017 recibí la Beca de la Real Academia Española en Roma.

Su obra está presente en colecciones como la Colección DKV, la Fundación María Cristina Masaveu, Fundación Cerezales, Artphilen Foundation, Colección de Arte Contemporáneo de la UNED, La Colección de Fotolibros Españoles del MNCARS, Fundación Entrecanales, o la Colección Campocerrado.

www.juanbaraja.com

Juan del Junco (Jerez de la Frontera, Cádiz, 1972)

Vive y trabaja en Málaga. Artista visual, es licenciado en Bellas Artes especialidad Grabado y Diseño por la Universidad de Sevilla y Master en Producción Artística Interdisciplinar por la Universidad de Málaga, universidad donde actualmente es alumno del programa de Doctorado Estudios Avanzados en Humanidades.

Es miembro fundador de The Richard Channin Foundation,  y ha realizado dos decenas de exposiciones individuales en galerías como Cavecanem (Sevilla), Galería Alfredo Viñas (Málaga), Galería Magda Belloti (Madrid), Galería Isabel Hurley (Málaga) y Galería F2 (Madrid); así como en varios centros de arte como el Centro Andaluz de Arte contemporáneo (Sevilla), El Patio de Escuelas Menores (Salamanca), El Centro de  Arte de Alcobendas (Alcobendas, Madrid) y el Centro de Creación contemporánea de Andalucia (C3A) y la Sala Alta del Palacio de Condes de Gabia (en preparación)

Ha participado en innumerables exposiciones colectivas, así como en varias ediciones de ferias internacionales, como ARCO Madrid, ArtBo (Bogotá), ARCO Lisboa (Lisboa) y Pinta Miami.

Su obra forma parte de varias colecciones: CAAC, Artium, MUSAC, Centro de Arte de Alcobendas, Es Baluard, Ayto de Pamplona, Colección Cajasol, Colección Unicaja, Colección Cajamadrid, Colección DKV, Colección Inelcom y Bombas Gens.

Ha resultado ganador de varias convocatorias de concurrencia competitiva, entre ellas la Ayuda de Artes Plasticas Fronterasur, la ayudas Iniciarte, el premio Pepe Espaliú, la Beca para Proyectos Fotográficos Cajasol, La beca Vázquez Díaz, la Beca de la Casa Velázquez, El Premio internacional de Fotografía contemporánea Pilar Citoler o Las ayudas de la fundación BBVA a la videocreación.

Actualmente es profesor en el Área de Dibujo del Departamento de Arte y Arquitectura de la Universidad de Málaga.

Juan Manuel Castro Prieto (Madrid, 1958)

Economista de formación. Miembro de la Agence VU. Premio Nacional de Fotografía 2015.

En su obra alterna una fotografía de carácter documental, viajes, reportaje, etc..(“Perú, viaje al sol”, “Etiopía”, “Solovki”), con una fotografía de corte más personal e introspectivo y con un lenguaje simbólico.(“Extraños”, “Caín”, “Cespedosa”, “Vanitas”).

 

Web: https://www.castroprieto.com

Instagram: https://www.instagram.com/castro_prieto/

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Los Bravú

Los Bravú son Dea Gómez (Salamanca, 1989) y Diego Omil (Pontevedra, 1988). Bajo el nombre de Los Bravú han desarrollado una carrera multidisciplinar donde intercalan pintura, escultura o cómic. Los Bravú recurren a diferentes disciplinas para indagar en problemáticas contemporáneas como la turistificación, la vida de los jóvenes en el entorno rural o la relación humana con los medios digitales. Sus exposiciones más recientes en centros de arte incluyen Processi 144_M, entrelazarse con Roma (Matadero, Madrid), Brillas muchísimo (DA2 Museo de Arte Moderno de Salamanca) o Unflappable (Unit 1, London).

En 2020 comenzaron a trabajar en el ámbito de las artes escénicas presentando su espectáculo Cuaderno de Vacaciones, en el festival Escenas do cambio.

Su obra forma parte ya de colecciones privadas como DKV, Mariano Yera, Kells, Casa de Indias o Fundación Cortés.

www.losbravu.com

https://www.instagram.com/losbravu/?hl=es

Manu Blázquez (Valencia, 1978)

Siendo estudiante de instituto madura un fuerte interés en el dibujo técnico, disciplina que desarrollará posteriormente en los estudios universitarios de la Jaume Primer de Castellón, especialmente en el curso de Expresión Plástica del profesor Romualdo Gil.

Tras el primer ciclo en publicidad y un período de experiencia como diseñador gráfico, se traslada a Italia donde comienza el estudio de la Gráfica Artística en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. Allí se diploma, en el año 2009, con una tesis titulada «Comunicazione e riproducibilità» y trabaja dos años como asistente de grabado del profesor Cataldo Serafini.

A finales de 2011 inicia una nueva etapa en Grecia junto al profesor de grabado Xenis Sachinis de la Universidad Aristóteles de Tesalónica. El proyecto desarrollado durante esta residencia anual le servirá para asentar las bases de su actual investigación.

Desde el año 2013, su trabajo ha sido mostrado en muchas exposiciones individuales y colectivas, tanto nacional como internacionalmente.

Recientemente ha participado en el programa de residencias artísticas Kulturkontakt Austria.

Blázquez actualmente reside en Valencia donde profundiza su análisis en torno a los sistemas numéricos y sus posibilidades visuales a través de un diálogo permanente entre los límites de diferentes disciplinas artísticas, especialmente el dibujo y la pintura.

Principales maestros e inspiradores de su trabajo son Morandi, Calderara, Palermo, Lewitt, Martin A., Cuvelier, Darvoben, Sempere y Asins.

Su obra está presente en diversas colecciones e instituciones como la Fundación Lázaro Galdiano, la librería y colección de obra sobre papel del Museo de Artes Aplicadas de Viena (MAK), la Fundación Boghossian, la Colección Banco Sabadell, la Fundación Bassat, la Colección DKV, la Universidad Politécnica de Valencia y la Academia de Bellas Artes de Bolonia, entre otras.

Manuel Antonio Domínguez Gómez (1976, Huelva)

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, donde ha realizado los cursos doctorales como especialista en arte público y máster en Producción de Obra Artística.

Su formación se complementa como Técnico Superior de Proyectos y Dirección de Obras de Decoración. Desarrollándose sus propuestas artísticas desde los ámbitos escénicos, como escenógrafo para el Festival internacional de Danzas de Villablanca y en sus propias manifestaciones artísticas dentro del mundo galerístico.

En la actualidad trabaja con diferentes plataformas culturales como Kunstraum.art (Berlín) o la Galería Ángeles Baños (Badajoz), donde su producción artística ha sido presentada en diversas exposiciones, ferias nacionales e internacionales (ARCO, SWAB, JUSTMIAMI, ARTEBA, VOLTA etc..)

Un trabajo cuyo denominador común tienen en el collage, la acuarela y lo escenográfico objetual su proceso técnico operativo, aspectos que se relacionan con el ámbito reflexivo de la construcción de la identidad y la masculinidad.

https://www.manuelantoniodominguez.com/

https://www.instagram.com/manuelantoniodominguez/

Mar Arza

Vive y trabaja en Barcelona. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Valencia, con un periodo de intercambio en Carnegie Mellon School of Art de Pittsburgh, PA, EEUU;  y Máster en Escultura en Winchester School of Art (Southampton University, Inglaterra) becada por la Fundación Cañada-Blanch.

En 2018 presentó la instalación En vano en La Virreina Centro de la Imagen de Barcelona, con un proyecto específico para la Sala Miserachs comisariado por Valentín Roma; anteriormente, en 2016, expone en el Centro de Arte Santa Mónica, con el comisariado de Assumpta Bassas y Joana Masó.

En la muestra individual R E S Q U I C I O, en la Galería Rocío Santa Cruz de Barcelona, concibe una reflexión sobre el espacio de una página en blanco y el pliegue como escritura, apuntando acotaciones a un arte concepcional. Fue merecedora del premio DKV a mejor artista emergente en los Premios GAC. Previamente fue ganadora ex-aequo de la Bienal de Valls – Premio Guasch-Coranty, con un trabajo crítico con la situación de crisis económica, donde unas libretas de ahorro enumeran una serie de ingresos que inscriben un saldo poético.

www.mararza.com

Marco Godoy (Madrid, 1986)

Se ha formado en el MA Photography del Royal College of Art (Londres), en el “Video and new media” del SAIC Chicago y licendiado en Bellas Artes por la UCM.

Su trabajo se ha mostrado en instituciones y galerías como Centre Georges Pompidou, Matadero Madrid, Palais de Tokyo en París, Stedelijk Museum ’s-Hertogenbosch, CA2M, Edinburgh Art Festival, Dallas Museum of Contemporary Art, Institute of Contemporary Arts (ICA) en Londres, Herzliya Museum of Contemporary Art, Lugar a Dudas en Cali, Haus der Kulturen der Welt en Berlín, y Whitechapel Gallery en Londres, entre otros. 

Ha sido artista residente en Kiosko (Bolivia) junto con Gasworks, Hangar (Lisboa), y Zone d’Utopie Temporaire (Z.U.T.) en Atenas y la Bristish School at Rome.

Ha recibido premios y menciones como Generaciones 2018, Primera Fase, Loop Discovery (Mención Honorífica), Circuitos de Artes Plásticas Comunidad de Madrid, Premio INJUVE o Scholarship by Letrou Family.

Web: www.marcogodoy.com

Instagram: @godoyeme

Mathieu Pernot (Fréjus, 1970) 

Vive y trabaja en París. Durante sus estudios en la Escuela Nacional Superior de Fotografía, Mathieu Pernot conoce en Arles a diversas familias gitanas, con quienes no deja de trabajar desde entonces.

La exposición Les Gorgan, presentada por primera vez en el festival de Arles en 2017, muestra 20 años de fotografías de esta misma familia. Durante los años 2000, desarrolla varias series dedicadas al urbanismo y la cuestión migratoria, que continúa en la actualidad asociando fotografías y documentos de archivo con el fin de crear relatos cruzando voces y testimonios diversos. 

Su trabajo sobre los archivos del hospital psiquiátrico del Buen Salvador fue galardonado con el premio Nadar en 2013. En 2014, recibe el premio Nièpce, año en que el Jeu de Paume le dedica una exposición, La Traversée. En 2019 recibe el premio Henri Cartier Bresson por su proyecto Le Grand Tour. Su trabajo forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas y ha publicado más de 15 monografías.

https://www.mathieupernot.com

Miki Leal (Sevilla, 1974)

Vive y trabaja en Madrid, España. Hasta hace no mucho su obra tenía como único soporte el papel, pero en los últimos años la cerámica le ha permitido ampliar sus posibilidades pictóricas. Las temáticas de sus creaciones se encuentran motivadas por grandes aficiones e influencias culturales como el jazz, el cine, el tenis, la literatura y música americanas, los paisajes exóticos… todo ello expresado a través de una personal figuración abstracta con tintes pop y oníricos.

A lo largo de su carrera a expuesto tanto en galerías (F2 Galería, Galería Rafael Ortíz, Galería Fúcares, Galería Magda Bellotti…) y museos españoles (Centro Andalúz de Arte Contemporáneo, MUSAC, Artium…); como en galerías internacionales (Track 16 Gallery, Santa Mónica, USA; Galerie Maribel López, Berlín, Alemania…). Sus obras forman parte de importantes colecciones nacionales e internacionales.

http://www.f2galeria.com/artista/miki-leal/

RRSS: Instagram / Facebook / Twitter @f2galeria

Mira Bernabeu (Alicante-Valencia, 1969)

Vive y trabaja entre Valencia y Madrid. Desde el año 2006, Mira combina su carrera profesional entre el desarrollo de su práctica artística, la codirección de la galería espaivisor hasta 2018 (Valencia), y desde 2019 la dirección de la galería 1 Mira Madrid (Madrid). El desarrollo de las facetas de artista y galerista hacen de él uno de los pocos profesionales en España que conocen bien los entresijos del mundo del arte contemporáneo. Su vocación, por tanto, se encuentra dividida al 50% entre ambas.

El trabajo artístico de Mira Bernabeu desde mediados de la década de los noventa puede dividirse en dos grandes grupos de series, representativas a su vez de modos complementarios de entender la cuestión artística, esto es, por un lado vinculada a la tradición de la representación de la realidad y, por otro, generadora de nuevos modos de construirla, en la línea de los nuevos comportamientos del arte visual que rebusca en las ciencias sociales un modo de aceptación en el terreno de lo político. De entre ellas, la más extensa incluye el subtítulo Mise en scène como un leitmotiv genérico que relaciona el arte y, por derivación la fotografía, con el teatro y las normas de comportamiento social. La otra, surgida de manera espontánea y ya consolidada en esta última década, toma el concepto de panorama como base sobre la que atender diferentes realidades deslocalizadas.

El modo en que ambos tipos de series toman forma puede verse, asimismo, como una actitud complementaria que repasa tanto lo general como lo particular, el todo y sus partes. La puestas en escena responden a producciones fotográficas y videográficas muy elaboradas compuestas por escenografías complejas, en ocasiones barrocas y que suelen contener una riqueza de referencias que obliga a detenerse en la imagen fija o visionar el vídeo como quien desgranara información a partir de un núcleo concentrado. Los panoramas, por su parte, descomponen la concreción de las escenografías para mostrarse como un colectivo formado por una sucesión de individualidades. Entran en juego los detalles, que se descontextualizan de su ámbito, y surgen retratos de individuos analizados como estudios de caso casi clínicos, realzados por el uso de pies de foto individualizados.

En ambos casos, desde ambas posturas, la intención del artista es analizar la totalidad del tema tratado, incluyendo en el proceso entrevistas a los participantes, auténtica memoria oral de un momento reconducida como voz en off testimonial de los vídeos. En éstos, las cámaras literalmente recorren las escenografías y los modelos como una mirada inquisitiva y voyeur que se detiene en los detalles y se pregunta el porqué de su presencia allí, del mismo modo a como el espectador cuestiona todo el entramado escenográfico o se asombra de la convocatoria de todos aquéllos que han sido retratado, partícipes en bloque de un performance colectiva.

Instagram: @mira.bernabeu 

Mireya Masó (Barcelona, 1963)

La formación de la artista catalana Mireya Masó tuvo lugar en la Escola Eina, en la Facultat de Belles Arts de Sant Jordi y en la Facultat de Humanitats de la Universitat Pompeu Fabra de la ciudad condal. Pese a que su trabajo es fundamentalmente fotográfico, niega que sea fotógrafa: para ella la fotografía es un medio expresivo más y no un fin en sí mismo. De hecho, Masó dibuja en muchas ocasiones sus fotografías antes de que sean tomadas; es decir, «matiza» de forma sutil los escenarios en la búsqueda de una imagen preconcebida. El vídeo es otro de sus instrumentos fundamentales, que suele integrar con la imagen fotográfica en sus exposiciones.

Desde la década de 2000, su obra se centra en los escenarios naturales, algo que posibilitan y enriquecen las diferentes residencias para artistas de las que ha disfrutado. Los paisajes de Mireya Masó están domesticados y funcionan como retratos de un ser humano que, por cierto, siempre es omitido; entre los más claramente domados destaca un jardín inglés (2000), cuyos resultados recuerdan al paisajismo británico de raíz romántica o su obra Antártida: experimento n.o 1 (2006). En este caso, y ante quizá la naturaleza más salvaje que ha retratado, genera imágenes en las que el artificio y la mirada humana ante los icebergs se hace muy presente: «En arte, para realizar cualquier gesto que vaya más allá del pensamiento es inevitable alterar la naturaleza; por eso intento que cada acto esté plenamente justificado. La Antártida es la presencia visible del cambio», declara sobre este trabajo, uno de los más conocidos.

Entre sus estancias artísticas, destacan las realizadas en el Centrum Beeldende Kunst of Rotterdam (Róterdam, Países Bajos, 1998); el Stichting Kaus Australis (Róterdam, Países Bajos, 2002); el Intercanvi Rhône-Alpes/Catalunya (Francia, 1998); el Europees Keramisch Werkcentrum (Den Bosch, Países Bajos, 1999); el Delfina Studio Trust Award (Londres, 2000-2001); y la Base Esperanza (Antártica, Argentina, 2006).

Mireya Masó ha expuesto de forma individual en la RAM Foundation (Róterdam, Países Bajos, 2003); el Espace des Arts de Colomiers (Francia, 2002); el Valence Museum (Valence, Francia, 1999); el Europees Keramisch Werkcentrum (Den Bosch, Países Bajos, 1999); el Museu de l’Empordà (Figueres, Barcelona, 2001); la Casa de América (Madrid, 2006); o el Centre d’Art Santa Mònica (Barcelona, 2010).

Nacho Martín Silva

Nacho Martín Silva es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Entre sus proyectos individuales más recientes destacan Il futuro non è ciò che era, comisariado por Tolo Cañellas, en Box 27 (Palma), Tirar del hilo hasta quedar ciego en JosédelaFuente (Santander) en 2017, y El Gran Estudio, comisariado por Ángel Calvo Ulloa, en el Centro de Arte de Alcobendas (Madrid) en 2016.

Ha participado en exposiciones colectivas en museos, galerías e instituciones internacionales como el CICA Palais El Abdelliya (Túnez), Spring Break Art Show de Nueva York, la Galerie Sobering en París, Espacio Odeón en Bogotá, Centro Párraga de Murcia, Centro Centro Madrid, Matadero Madrid, CGAC y OTR Espacio de Arte entre otras. Su obra se ha mostrado en las últimas ediciones de las ferias ARTBO (Bogotá), ARCO Madrid y ARCO Lisboa.

Ha sido galardonado con el Premio Pilar Juncosa y Sotheby’s a la Creación artística, con el Soporte a las Artes Visuales de La Comunidad de Madrid, premio Estampa- Casa de Velazquez o Premio Absolut-Jugada a 3bandas.

Se ha dedicado una monografía a su trabajo en Pocket series: Nacho Martín Silva por Juan Francisco Rueda editada por Nocapaper en 2016 y ha sido incluido en el libro de David Barro 2014 Antes de irse. 40 ideas sobre pintura. ed. Arte Contemporáneo y Energia A.I.E y DARDO Editorial, 2013.

https://www.nachomartinsilva.com/

Nico Munuera (1974)

Vive y trabaja en Valencia, (España). Se trasladó de Lorca a Valencia en 1993 para estudiar Bellas Artes en la Facultad de San Carlos, durante la cual fue galardonado con varios premios. Ha sido incluido en exposiciones en diversas galerías de arte desde 1998, así como en ferias de arte nacionales e internacionales. En 2003 se trasladó a París gracias a una beca del Colegio de España para continuar la investigación de su proyecto, principalmente basado en pintura de campo de color, capacidad de percepción y proceso. En 2004 fue elegido para colaborar y exponer con el pintor español Joan Hernández Pijuan en el programa Relevos, una serie de tres exposiciones institucionales en Madrid, Murcia y Barcelona. En 2007 se traslada a Nueva York gracias a una beca de la Fundación Casa Pintada para trabajar en un proyecto en papel japonés, basado en el color, el movimiento automático y el gesto. De 2008 a 2012 vivió y trabajó en Berlín, explorando las ideas del tiempo, los límites y la incertidumbre. Durante el mismo período, participó en las exposiciones Pintar o no pintar en el Museo de Bellas Artes de Murcia (2009); y la exposición Abstracción racional. Aldrich / Loureiro / Munuera / Uslé en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, CGAC, en Santiago de Compostela (2011).

El trabajo de Munuera ha sido expuesto en varias instituciones internacionales en Ginebra, Suiza (en la Villa Bernasconi, en 2011); en el ahora desaparecido Fundación Gabarrón Carriage House Center for the Arts en Nueva York, NY (2007); y en el Museo de Arte Moderno de Moscú, MMOMA, en Moscú, Rusia (2011). Destacan las exposiciones Stimmung (2014) en la Galería Proyecto Paralelo, Ciudad de México; y Frame Time (2014) en Verónicas en Murcia, España. Estuvo incluido en la exposición terreno áspero | terreno accidentado, cinco artistas contemporáneos de España, en Maus Contemporary (2017). Además, su obra fue objeto de una exposición individual, titulada Praecisio, en el Institut Valencià d’Art Modern, IVAM (2017).

https://nicomunueraprojects.com/

Nicolás Ortigosa (Logroño, 1983)

Licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Entre sus exposiciones destacan: La Divina Comedia, Sala Amós Salvador, 2014, Logroño, La Rioja. ¿Ornamento=delito?, Bombas Gens Centre d’Art, 2017, Valencia. Galardonado con el premio de la colección DKV durante la feria Estampa 2018.

Nicolás Ortigosa: Obras 2002-2018, Bombas Gens Centre d’Art. Comisariada por Vicent Todolí y Nuria Enguita.

Exposición individual en la Galería MPA (Moisés Pérez de Albéniz) Dibujos y grabados, 2015-2020.

Hiperespacios, Bombas Gens Centre d’Art, exposición colectiva, 2020, Valencia. Comisariada por Julia Castelló, Nuria Enguita, Vicent Todolí.

http://www.nicolasortigosa.com/

Nuria Fuster

En su trabajo investiga la parte material de la realidad, no sólo como dispositivo de autorre_exión, sino también como forma de establecer puntos de atención en comportamientos y procesos que evidencian la hegemonía natural de las cosas. Agentes como el aire, el fuego, cambios de temperatura o gravedad participan activamente como detonadores de procesos que configuran el trabajo, mostrando un relato que describe como vivimos en un proceso constante de transformación.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y con estudios de escultura en la Accademia dei Belle Arti di Roma, ha sido ganadora de varios premios internacionales como Artsituacions o Generaciones y ha recibido becas de gran prestigio como la beca Marcelino Botín.

Ha sido residente en La Casa Velázquez, en el museo CCA (Mallorca) así como en la Fondazione Zimei (Italia). Algunos de los museos que han acogido su trabajo son el IVAM, Centro Botín, Bass Museum (Miami), WUK Kunsthalle Exnergasse (Viena), CA2M, MACUF, CCEMx (Méjico D.F), Patio Herreriano, Santa Mónica, La casa Encendida, Tabacalera, Musée des Arts décoratifs (Paris) o Centre del Carme. Ha sido invitada a participar con esculturas públicas en PUBLIC, comisariado por Nicolas Baum en Basel Miami o en SkulpturenPark am Rheinkilometer 529, Bingen (Alemania), así como ha expuesto en galerías de ambito nacional e internacional, algunas de ellas son Marta Cervera, Hamish Morrison (Berlin), Efremidis (Berlin), Lange + Pult (Suiza) o Newman Popiashvili Gallery (New York).

Su trabajo también está presente en importantes colecciones de arte, algunas de ellas son; la colección de la Fundación DKV, Fundación Marcelino Botín, Museo Patio Herreriano, Colección Injuve, Obra Social Caja Madrid, Art Situacions u Olorvisual.

Pablo Barreiro (Meaño, Pontevedra, 1982)

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca (2010). Estudios Avanzados y Proyecto Individual en Ar.Co, Lisboa (2012-13). Vive y trabaja en Pontevedra.

Su carrera artística reciente incluye la participación en exposiciones en el CGAC Centro Galego de Arte Contemporánea (Santiago de Compostela), MAC M Museo de Arte Contemporáneo (Coruña) y MARCO Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, así como los premios Isaac Díaz (2016) e INJUVE (2012) y las residencias artísticas NUOVE (2018. Bassano del Grappa, IT) y una Residencia de Investigación en el MAC Museo de Arte Contemporáneo (2016. Coruña, ES).

Su obra está representada en las colecciones del CGAC Museo de Arte Contemporánea (Santiago de Compostela, ES), la Colección DKV (ES), la Colección NUOVE (Bassano del Grappa, IT) y la Colección Luis Sirvent (Vigo, ES), entre otras colecciones públicas y privadas.

http://cargocollective.com/pablobarreiro

https://www.instagram.com/pablo_barreiro_art/

Pablo Capitán del Río ( Granada, 1982)

Es licenciado en bellas artes en la especialidad de escultura por la Universidad de Granada en 2006 y Master Oficial en Producción Artística por la Universidad Politécnica de Valencia en 2008.

Su obra se ha expuesto en exposiciones individuales tanto en el ámbito nacional como en el extranjero, entre las que cabe reseñar La fuga ebria. Galería Artnueve. Murcia. 2021. El paisaje otro. Galería Artnueve. Murcia, 2018. El objeto dado. Instituto de América / Centro Damián Bayón. Santa Fé. Granada. 2018. Animal Mirror (con Eduardo Hurtado). Scan Proyect. Londres 2017. Pneuma. ArtMustang. Elche. Alicante. 2017. La inteligencia en otro idioma. Fundación Bilbaoarte. Bilbao. 2017. OpenStudio. Noestudio. Madrid. 2017. Aguanieve, -sensación de. Galería ArtNueve. Murcia. 2016.

Entre los premios y becas que ha recibido caben destacar el Premio/adquisición Unicaja  2021, Premio/adquisición DKV Estampa. Madrid. 2018, Premio Programa de producción UAVA/C3A. Centro de Creación Contemporánea de Andalucía. Córdoba.2018, Premio/adquisición Colección Campocerrado. Drawing Room. Círculo de Bellas Artes. Madrid. 2018, A secas. Artistas andaluces de ahora. Centro andaluz de Arte Contemporáneo. Sevilla. 2017, FACBA_18. Universidad de Granada. 2017, Premio Openstudio  a la Producción Artística. Fundación Banco Santander. Madrid. 2016, Beca Encuentros de Arte Genalguacil. Málaga. 2016, JustMag Premio Joven 2016. Madrid, 2016, Beca Fundación BilbaoArte. Bilbao. 2016, V Encontro de Artistas Novos. Cidade da Cultura. Santiago. 2015, La Fragua Artist Residency. Córdoba. 2014, Beca Manuel Rivera de ampliación de estudios artísticos. Diputacion de Granada. Museum fur Naturkunde, Berlín, 2012.

Paco Guillén (Las Palmas de Gran Canaria, 1974)

Es licenciado en Bellas Artes y máster en Producción Multimedia. Paco Guillén elige el dibujo como campo de experimentación, crea un particular universo influido por su entorno cultural y social. Los dibujos de Guillén son concisos y sintéticos, sin concesiones, con una estética absolutamente personal que profundiza en el campo del dibujo, y para ello se vale de todos los recursos que este le brinda: dibujos sobre papel, sobre pared, vídeo-animación… Expone con regularidad desde finales de los noventa, desarrollando una intensa actividad profesional en los últimos años, participando en exposiciones, bienales y ferias de ámbito internacional, como Hot Art Fair o X Bienal de la Habana.

Vinculado a las galerías Costantini Contemporary (Turín) y José de la Fuente desde 2009, en 2013 fue premiado por su propuesta con esta galería en la feria Estampa de Madrid (Premio Comunidad de Madrid Estampa). Entre sus proyectos individuales destacan, Calle Skendorf, una intervención en un espacio abandonado en Leipzig (Alemania, 1998); Mr. Wallace (Gran Canaria, 2003), Pequeñas perversiones (Galería Saro León, Las Palmas de Gran Canaria, 2008); Ni todo para el alma ni todo para el cuerpo (Galería Nuble, Santander, 2009); Las predicciones del Gran Chin (SAC, Santa Cruz de Tenerife, 2009) y Ruido en blanco (CAAM Las Palmas de Gran Canaria, 2012); Blanco roto (TEA Tenerife Espacio de las Artes, 2013); Prácticas Desafinadas (Galería José de la Fuente, 2017); Rust and matter (DC Open Colonia, Alemania,2018)Doma (Centro de Arte la Regenta 2018).

De su participación en exposiciones colectivas, cabe mencionar, Growing Together (Galería Nuble, Santander, 2012); Biopolitics of the South Side (Junefirst Gallery, Berlín, 2013); Quiasma (Constantini Contemporary Art Gallery, Turín, 2014); Paperwork-Spanish Contemporary Drawing (Today Art Museum, Pekín, 2017). Las obras de Paco Guillén han estado presentes en países como México, Cuba, Suiza, Senegal, Italia, Alemania, China así como dentro de nuestras fronteras, en Madrid, Cantabria, Extremadura, Castilla y León, Asturias y Castilla La Mancha y Canarias, contando con obra en colecciones como, Colección Navacerrada, la Fundación Brasilea de Suiza, CAAM, CA2M y Fundación DKV.

Patricia Dauder (1973)

El trabajo de Patricia Dauder gira entorno a la percepción y representación, mas allá del entorno inmediato del mundo físico y objetual.  El estudio y la experimentación con la forma, la materia y la estructura es el punto de partida a través del cual, desarrolla sus ideas sobre el espacio y el devenir del tiempo. El conjunto de imágenes y formas que aparecen en dibujos, películas, telas, esculturas o fotografías, son el resultado de largos procesos de trabajo en los que la artista establece un diálogo entre la observación directa del mundo natural, la sintetización de percepciones y la manipulación material.  Presencia y ausencia, masa y vacío, unidad y fragmento, desgaste y rastro en la naturaleza o en construcciones humanas, son algunas de las ideas que reverberan en las frágiles formas que resultan de sucesivos procesos de hacer, rehacer, añadir o sustraer.

Dauder estudió en la Facultat de Belles Arts, en Barcelona, España y en Ateliers Arnhem, Países Bajos. Desde 1998 ha exhibido ampliamente su trabajo en Europa y ocasionalmente en los Estados Unidos y Canada. Algunas de sus exposiciones mas recientes son, Sòl i Subsol, La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona, España (2021); Surface, National Gallery, Praga, República Checa (2018);  XIV Bienal de Cuenca. Estructuras Vivientes, Cuenca, Ecuador (2018);Terra Incognita, Centro de artes Contemporâneas, Sâo Miguel, Açores, Portugal (2017); Recinto, MARCO, Vigo, España (2015); Villa Toronto, Toronto, Canada (2015); The Second Image, Museu Serralves, Porto, Portugal (2012); 1979: a Monument to Radical Moments, La Virreina, Centre de la Imatge, Barcelona, España (2011); Test Transmission, Artspace, Auckland, Nueva Zelanda (2011) Art Statements / Art Basel, Basel, Suiza (2009).

Su trabajo está representado por la galería ProjecteSD de Barcelona, España.

www.patriciadauder.net

Patricia Gómez y Mª Jesús González 

Son licenciadas en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia (2002), donde completamos nuestra formación con el Diploma de Estudios Avanzados (DEA) en la especialidad de Grabado y Estampación.

Desde el año 2002 trabajamos en equipo desarrollando proyectos que tratan de rescatar la memoria de lugares inmersos en procesos de desaparición o abandono, a partir del registro de las huellas del tiempo y la vivencia humana conservadas sobre los muros de su arquitectura.

Esta recuperación la hemos realizado principalmente mediante intervenciones con arranque mural, asumiendo el espacio arquitectónico como matriz de estampación, pero también mediante otros métodos de registro, como la fotografía, el video o el audio.

Desde 2008, nuestros trabajos se han centrado en los lugares de reclusión y aislamiento, como espacios marginales desde los que obtener un testimonio subcultural -por contraste a una visión totalizadora de la historia tradicional. En nuestro trabajo nos interesa conocer la historia de los lugares precisamente para descartar lo que ya se sabe, y encontrar sus huecos u omisiones, señalarlos, y proponer una cierta manera de completarla.

patriciagomez-mariajesusgonzalez.com

https://www.instagram.com/pgomez_mjgonzalez/?hl=es

Pep Vidal (Rubí, Barcelona, 1980)

Licenciado en Matemáticas y doctor en Ciencias Físicas, trabajo con los cambios infinitesimales, cambios que se producen siempre, en todos los sitios. Cambios imperceptibles, cadenas de cambios, cambios para siempre…la mayoría de ellos, ni los vemos ni somos conscientes de ellos. Ese es mi espacio de trabajo.

Compagino mi práctica artística con la de profesor de “Laboratorio de Óptica”, en el grado de Física, de la Universitat Autònoma de Barcelona.

Ha mostrado su trabajo en más de 50 exposiciones, en ámbito nacional e internacional, entre las que destacaría Abrons Arts Center (Nueva York), Museu Nacional d’Art de Catalunya MNAC (Barcelona), Kunsthaus Baselland (Basilea), ISELP Contemporary art center (Bruselas), Fundació Joan Miró (Barcelona), CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux (Burdeos), CaixaForum (Barcelona) o Fundació Antoni Tàpies (Barcelona). He hecho algunas residencias, entre las que destacaría Rijksakademie van beeldende kunsten, Amsterdam, 2018.

Está representado por: ADN Galería, en Barcelona, y LMNO, en Bruselas.

Página web: www.pepvidal.com

Instagram: @vidal_pep

Rodríguez Méndez

Rodríguez-Méndez (Pontevedra, 1968) es licenciado en BBAA por la Universidad Complutense de Madrid. Ha ejercido como docente (especialidad Escultura) en la UEM (Universidad Europea de Madrid). Su obra se ha expuesto a modo Individual en centros como el S.M.A.K. de Gante, el MARCO de Vigo, Matadero Madrid, en el Ateliê Fidalga de Sâo Paulo, en la Casa Velázquez de Madrid, la sala Intermediae del Matadero Madrid, el Instituto Cervantes de Madrid, en la Yaddo Foundation de Nueva York.

Ha expuesto a modo Colectivo en el CA2M de Móstoles, el CGAC Santiago de Compostela, la Fundación Artos, Chipre, en el MAC Museo de Arte Contemporáneo de A Coruña, en los estudios Rolf Hofmos en Oslo, en Montehermoso, Vitoria-Gasteiz, en el IVAM, la CaixaForum de Barcelona, el Contemporary Arts Center en Cincinnati. Ohio, USA, en el MARCO de Vigo y la Korjaamo Gallery,de Helsinki. Finlandia. Recientemente en el Conde Duque de Madrid, en Las Cigarreras de Alicante, el CCCC - (Centre del Carme Cultura Contemporània), Valencia, y las ediciones de ARCO 2017/2018/2019/2020 con la galería Formato Cómodo.

Le han reconocido con las Ayudas a la creación en Artes Visuales del Comunidad de Madrid, la Beca de la Fundación Botín, las Ayudas a la Creación Contemporánea de Matadero Madrid, las Becas Iniciarte de la Junta de Andalucía, la Fundación Bilbao Arte y la ayuda a la promoción del Arte Español del Ministerio de Cultura. Becado también por la Fundación Arte y Derecho e invitado al programa de Residencias en la Yaddo Foundation de Nueva York, residencia Kiosko en Santa Cruz de la Sierra en Bolivia y al Atelié Fidalga de Sâo Paulo. Actualmente le han otorgado el premio “Connexio, espacios para la reflexión” y las ayudas a producción de la Xunta de Galicia 2020.

Su obra forma parte de las colecciones DKV, CGAC Centro Galego de Arte Contemporáneo, Colección MICA y la Fundación DIDAC.

www.rodriguez-mendez.com

Rubén Guerrero

La práctica artística de Rubén Guerrero (Sevilla, 1976) constituye una investigación sobre los fundamentos de la propia pintura, en la que indaga sobre motivos que van repitiéndose a lo largo de su trayectoria como la bidimensionalidad, la superficie y los extremos del cuadro. Por este motivo, sus pinturas son difíciles de categorizar, evocan estructuras fragmentadas cuya composición artificiosa explora los límites del medio, convirtiendo a la pintura en una disciplina radicalmente contemporánea.

Su obra ha sido reconocida a nivel nacional e internacional y forma parte de colecciones como la Related Group Collection (Miami), Sammlung Friedrichs (Bonn), Centro de arte contemporáneo Domus Artium (DA2, Salamanca), la Colección DKV (Valencia), la Fundación Caixa (Barcelona) y Bombas Gens (Valencia), entre otras. Su obra también ha sido expuesta en el centro Párraga (Murcia), CAC (Málaga), Matadero (Madrid), Artium (Álava) y en el Museo Villa Croce de Génova (Roma) por mencionar solo algunos de los más representativos. Por último, como artista de la galería, ha sido expuesto en ARTISSIMA, ZONAMACO, ARTEBA, ARTBO, ARCO y SH Feria de Arte Contemporáneo de Shangai, entre otros.

Santiago Giralda

Licenciado en Bellas Artes y Máster en Arte, Creación e Investigación por la Universidad Complutense de Madrid, es también posgraduado por la Hochschule für Bildende Künste de Hamburgo. Sus trabajos han sido expuestos en Alemania, Reino Unido, Estados Unidos y España.

Ha sido galardonado en numerosos certámenes, entre los que destacan, Generaciones de Caja Madrid (2013 y 2008), Circuitos de Artes Plásticas Comunidad de Madrid (2012), Tentaciones (2010), Premio Bancaja (2009), Injuve (2008), Premio de Pintura BMW (2006) y X Certamen de Pintura Virgen de las Viñas (2011). Entre sus exposiciones individuales son reseñables Outsider (Galería Oel-Frueh,Hamburg 2007) e InteriorExterior (Sala de Exposiciones del Centro de Arte Joven, Comunidad de Madrid, 2009).

Entre sus múltiples exposiciones colectivas figuran 2014/ Antes de irse. 40 ideas sobre pintura, (Museo de Arte Contemporáneo, MAC, La Coruña, 2013 ), Presente Continuo, ( Centro de Arte Conde Duque, Madrid, 2013), Art Situacions (Da2, Salamanca; Museo Patio Herreriano, Valladolid, 2012), Para Bamila Josuanse/ Un paisaje a la sombra (Centro de Historias, Zaragoza), XII Mostra Internacional Gas Natural Fenosa (MACUF, La Coruña,2012), Escala 1:1 (Matadero Madrid, 2011), 25 Años de la Muestra de Arte Injuve (Círculo de Bellas Artes, Madrid, 2010), Bienal Artes Plásticas Fundación María José Jove (La Coruña, 2010), Fernweh/Heimweh (AOL Gebäude, Hamburgo, 2007) o Casa demolida (Hamburgo, 2007).

Su obra está presente en colecciones de arte tanto particulares como institucionales, entre éstas las del  Ministerio de Cultura, Mac (Museo de arte contemporáneo de La Coruña), Banco Santander, DKV, Unión Fenosa, Caja de Murcia y Caja Madrid. Además, forma parte del Archivo de Creadores de Matadero Madrid y ha recibido ayudas a  la producción artística como  la  otorgada  por  la Comunidad de Madrid (2010).

http://www.santiagogiralda.com/

Sergio Belinchón

Sergio Belinchón cultiva la fotografía desde 1997. Tras su formación en la Escuela de Bellas Artes de Valencia y su estancia con una beca en la Escuela de España en París, ha trabajado para el arquitecto Santiago Calatrava y posteriormente consiguió la beca de la Academia de España en Roma. A partir de 2003 trabaja también el vídeo como forma de expresión, realizando proyectos en los que ambos medios se retroalimentan. Los temas sobre los que gira su obra son la ciudad como escenario de la vida de sus habitantes, la transformación del territorio, el turismo y los espacios donde la realidad y la artificialidad se confunden. Muchos de sus proyectos, hablan de la relación que el ser humano establece con este entorno desde su ausencia.

En 2005, junto con los artistas Santiago Ydáñez, Noé Sandas, Antonio Mesones, Paul Ekaitz y Rui Calçada Bastos, fundó en Berlín el espacio Invaliden1 Galerie, concebido como plataforma desde la cual mostrar sus trabajos y los de la comunidad internacional de artistas establecidos o de paso por la capital alemana. Realiza numerosas exposiciones en solitario, donde sus series se han mostrado en Madrid, Barcelona, Huesca, Berlín, París, Lisboa, Río de Janeiro, Sao Paulo, Monterrey. A nivel colectivo, ha participado recientemente en los Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid (Centre Pompidou en parís en 2010, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2011 y Haus der Kulturen der Welt en Berlín en 2011, en el Circuito Berlín  del Instituto Cervantes en Berlín en 2012 y en The Marvelous Real en Tokio en 2014, entre otros.

Su trabajo ha sido reconocido con premios y becas de creación artística como Generación 2009Premios y Becas de Arte Caja Madrid, la beca de la Casa de Velázquez o la de la Academia de España en Roma, y con el XVIII Premio de Arte Contemporáneo L’Oreal en 2002. Posee obra en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Fisher Gallery de Los Ángeles y el Fonds national d’art contemporain en Puteaux, Francia, MUSAC, Artium, entre otras.

https://www.sergiobelinchon.com/

https://www.instagram.com/sergio.belinchon/

Simon Zabell (1970)

Es un artista británico residente y activo en España. Tras estudiar Pintura y Escultura en la Universidad de Granada, desarrolló un interés por los efectos de la narratividad sobre la pintura y la instalación, que le llevó a estudiar escenografía con Philip Prowse en la Slade School of Fine Art de Londres. Desde entonces ha trabajado utilizando mayormente la pintura, la escultura y la instalación para desarrollar proyectos con un fuerte carácter escenográfico, que a menudo se basan en obras de creadores anteriores, como el escritor radical francés Alain Robbe-Grillet y el compositor Karlheinz Stockhausen.

Estos proyectos han sido expuestos ampliamente en salas y galerías del Reino Unido, España y Suecia y en numerosas ferias de arte como SCOPE LONDON, PINTA NY, ARCO, VOLTA etc.

Como escritor Zabell colaboró y prologó el libro Strindberg, escritor, pintor y fotógrafo, publicado por Ediciones Nórdica en 2013, además de publicar numerosos textos relacionados con los temas de sus investigaciones.

Desde finales de 2014 Zabell ha estado envuelto en un ambicioso proyecto, Our Men in Tahiti, basado en una amplia investigación en torno a la novela tardía de Robert Louis Stevenson The Ebb-Tide, proyecto que incluye un corto documental que supone un seguimiento de su proceso creativo.

Simon Zabell es profesor de Bellas Artes en la Universidad de Granada además de impartir numerosas conferencias y talleres sobre arte y creatividad.

http://simonzabell.com/

https://www.instagram.com/simon_zabell/

Soledad Córdoba

Soledad Córdoba (Avilés, 1977), artista, madre y doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Su obra explora los territorios donde confluyen las fronteras de la realidad y la ficción. En sus últimos proyectos indaga en el dolor, los procesos de sanación, los estados del alma y el paisaje como lugar de reflexión.

Su investigación artística ha sido apoyada con la Beca Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales 2017 de la Fundación BBVA.

Su trabajo está presente en numerosas exposiciones de ámbito internacional como el Centro Juan Carlos I de España, la Universidad de Nueva York (EE. UU.), Silk Road Gallery Teherán (Irán), Nagasaki Prefectural Museum (Japón), Instituto Cervantes de Chicago, Embajada de España en Washington D.C., Centro Niemeyer o Museo de Bellas Artes de Asturias. Ha participado en festivales internacionales como PhotoEspaña, y en ferias como ARCO Madrid, ZONAMACO, FotoFever París o MIA PHOTO FAIR Milán.

Link web: http://www.soledadcordoba.com/

Instagram: https://www.instagram.com/soledad_cordoba_/

Facebook: https://www.facebook.com/soledad.cordoba.75

Tamara Arroyo

Tamara Arroyo, es licenciada y doctoranda en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Compagina su carrera artística con la de docente. En su obra hay una insistencia sobre la habitabilidad de los espacios, que deriva en un cuestionamiento sobre la “domesticación” del habitante moderno, el consumo de ciertas formalizaciones y objetos en los interiores de las viviendas actuales, así como en una referencia autobiográfica que articula un discurso sobre la memoria individual y colectiva.

Mediante diferentes formalizaciones, inspiradas en objetos y elementos arquitectónicos rescatados de su entorno inmediato, habla de cómo nos influye el entorno y su arquitectura, distinguiendo entre el espacio vivido, vivencial o existencial que opera inconscientemente, y el espacio físico y geométrico. En esa recurrencia a la imagen de los lugares y a su apropiación a través del arte, la ciudad, el espacio público aparece como el escenario privilegiado de la cotidianidad, con su riqueza, su señas de identidad y su potencial creativo. Actualmente está desarrollando varios proyectos relacionados con algunos de estos elementos identitarios de la ciudad de Madrid.

Pudiéndose ver parte de ellos, en la Galería Aural, en Madrid, y en Panorama 01 en Centro Centro. Recientemente ha recibido la ayuda Propuestas Vegap, la Ayuda a la producción del Ministerio de Cultura y de la Comunidad de Madrid, para el proyecto, Eudaimonia 2021 y Pura calle II Mobiliario Urbano, respectivamente. En le 2019 y 2020 ha realizado las exposiciones Individuales en la Galeria NF Nieves Fernández, Pura Calle y Relaciones en la Galería Nordés, y ha participado en varias exposiciones colectivas como, AragonPark, (proyecto de intervención en un edificio abandonado de la periferia madrileña), Intruso en Salón, Querer parecer Noche en en el CA2M. Ha disfrutado de la residencia en ArtistaxArtista en La Habana, Cuba, dentro del programa Ranchito, Matadero Madrid. Ha recibido el premio adquisición Universidad de Nebrija 2019, primer premio Ciutat de Fanalixt, 2017. En 2015 obtuvo la beca de producción BilbaoArte. En 2013 disfrutó de la Beca de la Academia de España en Roma que pudo verse el proyecto Casas Romanas, en la Galería Ethall, Barcelona.

www.tamaraarroyo.com

Instagram: @tamararroyo

Facebook: Tamara Arroyo

Teresa Solar

Teresa Solar estudió Bellas Artes en Madrid y más tarde obtuvo un Máster en Estudios Culturales por la Universidad Europea de Madrid.

Entre sus exposiciones individuales recientes destacan Formas de fuga, en Travesía Cuatro Madrid y Pumping Station en Travesía Cuatro, Ciudad de México; Cabalga, cabalga, cabalga en Matadero Madrid e Index Foundation en Estocolmo; Flotation Line, comisariada por Chus Martínez en Der TANK, Institut Kunst de Basilea, Suiza.

El trabajo de Solar también se ha mostrado recientemente en Haus der Kunst Munich, Kunstverein de Braunschweig, Kunstverein de Munich, Casa Encendida Madrid, CA2M Madrid entre otros. En 2018 participó en la La Fin de Babylone, en el Jardín de esculturas de Colonia, comisariada por Chus Martínez. En 2020 participó en la Young Art Biennial de Moscú; en 2021 ha participado en la Bienal de Liverpool comisariada por Manuela Moscoso y en la exposición del premio Future Art Generation Prize, en Kiev.

Xisco Mensua (Barcelona, 1960)

El trabajo de Xisco Mensua utiliza el tiempo como espacio donde verter y desarrollar una serie de conceptos y temas complejos relacionados entre sí. Materias como la poesía, filosofía, medios de comunicación, educación e infancia, entre otros, son referencias recurrentes en sus series de dibujos, generalmente polípticos, pinturas y collages.

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